Musicalmente, o álbum de estreia da violoncelista evoca espaços nebulosos.
É emocionante quando uma artista floresce do nada; A violoncelista e compositora londrina Lucinda Chua fez exatamente isso. Conhecida principalmente por seu par de intrigantes EPs, Chua dá uma espiada no pop e na música ambiente, filmando suas composições celestiais através de uma lente aural. Surgindo do éter, seus EPs nos deram uma amostra tentadora do que ela é capaz como compositora e intérprete – e, agora, com seu disco de estreia, intitulado “YIAN”, temos uma visão mais completa. Se você realmente gostou dos EPs, então terá uma surpresa. “YIAN” nos dá ainda mais: há paredes de sons florescentes, pianos melancólicos, teclados suaves e uma voz profunda enfeitando o repertório. Suas letras geralmente se estabelecem em ciclos repetitivos, girando as frases como provérbios perdidos. No entanto, se você se sentiu menos atraído pelos dois volumes de “Antidotes”, provavelmente encontrará muito mais o que saborear aqui. “YIAN” se desenvolve no mesmo ritmo glacial dos EPs, mas com uma base ainda mais forte de teclados. Os tons do instrumento Rhodes carregam grande parte do álbum, enquanto sua melancolia inerente é um ajuste perfeito para os retratos sonoros que Chua deseja pintar.
De faixa para faixa, o tom geral não muda. O que não é inerentemente uma coisa ruim – criar um clima para um álbum inteiro é um movimento que pode render bons frutos – mas aqui, a escala é mantida tão isolada e as vibrações tão cíclicas, que “YIAN” acaba criando um grande poder de permanência. As cordas flutuam de forma emotiva, as notas mais altas do teclado ganham cor e as notas do baixo zumbem de maneira adorável. A qualquer momento, algo profundamente bonito acontece. Mas como um projeto inteiro de 37 minutos, a mesmice também pode se tornar um pouco monótona. A faixa de abertura, “Golden”, é um destaque. É linda em seu questionamento (“Para quem eu recorro / Quando não sou parte de você?”), enquanto a voz de Chua permanece sutil no refrão. A coisa toda vaza como um rio em degelo. O instrumental “Meditations on a Place” foi coproduzido com Adam Wiltzie dos projetos Stars of the Lid e A Winged Victory for the Sullen. As cordas queimam brilhante e calorosamente, e a peça tem um ambiente borrado que é sedutor em seu mistério.
Em outro lugar, temos “Autumn Leaves Don’t Fall”, que é salva por Chua cantando em um registro quase falado. É uma escolha surpreendente que coloca o álbum em um ponto crucial. “Grief Piece” tem alguns floreios eletrônicos quebradiços que enfeitam o instrumental, embora seja bastante curta, com pouco mais de 2 minutos. E a faixa de encerramento, “Anything Other Than Years”, é extremamente auxiliada por um vocal convidado de yeule, cuja voz injeta um novo timbre no álbum, bem a tempo para um final suavemente climático. Com toda a honestidade, sempre que Lucinda Chua faz algo um pouco diferente, o álbum fica melhor. Os sons são lindamente produzidos, e a voz de Chua, embora limitada, mas cristalina, evoca algum cantor de trip-hop de outrora que se perdeu nas eras, equilibrada e fria. Embora homogêneo, o repertório muitas vezes flui quase imperceptivelmente, a fim de criar uma espécie de ecossistema próprio com profundas correntes ambientais. No geral, “YIAN” se expande e oferece não apenas vinhetas, mas histórias, muitas vezes enraizadas nas próprias experiências de Chua como filha da diáspora chinesa. Nascida de pai chinês-malaio e mãe britânica, ela busca tanto um relacionamento com suas raízes quanto a libertação de seus traumas herdados.
Em todo o álbum, ela cria paisagens a partir desses espaços; Cada trilha se torna seu próprio tipo de lar, ou pelo menos um porto seguro. Ao longo do LP, Chua também reúne os fios que ligam o lar, a história e sua relação com o corpo. Dito isto, o adorável primeiro single, “Echo”, é uma declaração silenciosa de independência e trauma ancestral. Na arte da capa do single, ela estende a mão em forma de lánhuāzhǐ (兰花指) – um gesto manual primário na dança tradicional chinesa, baseado no lánhuā (兰花). No entanto, a maneira como ela o segura é um afastamento de sua tradição. Ao curar suas feridas, Chua encontra a necessidade tanto de traçar tais limites quanto de ultrapassar outros. Em “You”, backing vocals florescem e dão lugar a uma vibrante linha de violoncelo. A voz de Chua se arqueia como uma ponte, buscando conexão com um relacionamento que se tornou distante pelo tempo e pelas circunstâncias do passado: “Quero que você saiba / Que toda a sua bondade / É toda a minha bondade”. A dissolução das fronteiras pessoais sugere a possibilidade de evolução, mesmo que uma resolução clara esteja fora de alcance.
Na faixa de destaque, “An Ocean”, ela encontra a liberdade não no amor terrestre, mas nas marés que a levam para longe de suas margens em direção a um lar próprio. O mar entre os dois, antes uma fonte de dor, se agita em um local de poder. Uma figura balança ao longo de uma linha ondulante de piano enquanto cordas de violino cortam a chuva estática; sua voz surge, como um farol: “As ondas me engolem inteiras”, ela entoa. “As marés me levam para casa”. Ao se permitir experimentar a perda e se perder, ela convida à possibilidade de renovação. “I Promise” também nasceu da perda. Sobre uma suave dissonância e acordes não resolvidos, ela articula e sussurra um desejo não por um objeto de amor, mas pelo amor como um objeto, desvinculando-se de qualquer forma humana. Claro, isso produz uma tensão, pois a ideia de um amor sem objeto não é diferente da de um lar sem lugar; A criação de ambos requer imaginação. No entanto, são precisamente os espaços imaginários, e não qualquer abrigo físico, que melhor prendem o poeta. E se a imaginação é um caminho para a corporificação, render-se aos céus também pode ser um caminho de volta ao corpo.
