Em “Hazel Eyes”, Sam Smith apresenta uma intimidade mais orgânica.
Depois do enorme impacto de “Unholy”, seria fácil imaginar Sam Smith seguindo pelo caminho mais óbvio: aproveitar o sucesso, manter a estética provocativa e continuar produzindo um pop calculadamente acessível. O single, gravado com Kim Petras, tornou-se um dos maiores momentos de sua carreira, alcançando o primeiro lugar em vários países e transformando sua mistura de sensualidade, exagero e teatralidade em um fenômeno. Em vez de prolongar essa fórmula, porém, Smith decide mudar de direção em “Hazel Eyes”. O seu quarto álbum de estúdio é menos interessado em reproduzir sua fábrica de hits e mais empenhado em construir uma identidade musical própria. Jazz, blues, soul e country passam a ocupar o centro da produção, acompanhados por instrumentos que soam mais naturais e por arranjos menos esterilizados.
É uma mudança importante para um artista cuja discografia frequentemente oscilava entre diferentes gêneros sem necessariamente encontrar uma unidade convincente. Embora “Love Goes” (2020) e “Gloria” (2023) tenham apresentado momentos criativos e afirmações relevantes, a presença recorrente de produtores associados ao mainstream e de participações de grandes nomes acabava dando a impressão de que Sam Smith permanecia preso à necessidade de entregar hits. “Hazel Eyes” rompe parcialmente com essa lógica. A principal diferença está na própria construção do repertório. Trabalhando sobretudo com Simon Aldred, colaborador de longa data e, segundo Smith, o primeiro compositor queer com quem trabalhou, elu também assume pela primeira vez um papel de coprodutor. O resultado é um álbum mais coeso, que parece ter sido concebido como uma obra completa, e não como uma coleção de faixas em busca de um single de sucesso.
Há também uma narrativa mais clara. Inspirado no relacionamento de Smith com o designer Christian Cowan, o disco acompanha uma história de amor desde o encantamento inicial até os conflitos e, finalmente, a estabilidade. É uma mudança significativa: em vez de alternar entre desejos, frustrações e desilusões sem uma linha narrativa definida, Smith constrói aqui um percurso emocional reconhecível. Musicalmente, essa história ganha vida através de uma produção muito mais calorosa. “Everlasting Love” abre o álbum em clima de cabaré sofisticado, com violão acústico e cordas envolvendo a voz de Smith em uma interpretação sensual. Já “Sugar Rush” recorre ao doo-wop para criar uma combinação curiosa de erotismo e leveza. Trompetes, percussão e vocais de apoio dão à música uma personalidade que teria sido difícil encontrar em seus trabalhos mais sintéticos. A diferença não está necessariamente nos instrumentos utilizados, mas na maneira como eles respiram dentro das canções.
Sam Smith já havia trabalhado com metais e cordas anteriormente, mas aqui esses elementos não parecem acessórios adicionados a uma produção pré-fabricada. Eles ocupam espaço, interagem entre si e ajudam a criar uma sensação física para as músicas. Como consequência, sua voz também parece mais viva e menos aprisionada por arranjos excessivamente polidos. Essa mudança favorece especialmente sua relação com o soul e o blues. Smith sempre demonstrou afinidade com tradições musicais negras e incorporou elementos de gospel e R&B em diferentes momentos da carreira. Em “Hazel Eyes”, porém, essas referências aparecem de maneira mais natural. Em vez de encaixar corais gospel em estruturas rígidas, elu permite que as músicas tenham balanço, tensão e espaço para interpretação. “When He’s Gone” é um exemplo disso. A música abandona o romantismo inicial do álbum para entrar em uma atmosfera de blues esfumaçado, enquanto Smith demonstra irritação diante das palavras cruéis de seu parceiro.
A faixa funciona justamente porque o conflito amoroso não é tratado como uma abstração: existe raiva na interpretação e peso na produção. “Oh Mother” leva essa abordagem ainda mais longe. A música se aproxima de um culto gospel, colocando Smith em diálogo com o TwoCity Chorus. O arranjo começa de maneira quase despida, com palmas e voz sem acompanhamento, antes de explodir em piano, coro e gritos de incentivo. O contraste entre indignação e perdão transforma a faixa em uma das performances mais intensas do álbum. A ausência de grandes estrelas convidadas também ajuda o projeto a manter sua identidade. Em vez de apostar em uma sucessão de duetos destinados a chamar atenção, Smith conta com a participação de Feist como compositora e backing vocal em apenas duas faixas. Sua influência, contudo, parece atravessar o álbum inteiro, especialmente na combinação entre intensidade e aparente despreocupação.
“Moondance” é o melhor exemplo. A guitarra sinuosa e o solo distorcido criam uma atmosfera que poderia tranquilamente remeter ao universo de Feist, enquanto Smith e a cantora canadense desenvolvem uma longa metáfora celestial sobre se apaixonar. É uma das músicas mais bonitas do disco e desperta a sensação de que uma colaboração completa entre as duas poderia render algo ainda mais interessante. Nem tudo, entretanto, funciona com a mesma eficiência. Ao abandonar a perfeição estética dos trabalhos anteriores, Smith encontra algo mais interessante, mas também deixa exposto um de seus velhos problemas: a tendência ao sentimentalismo excessivo. O álbum pode ser tão sinceramente apaixonado que, em determinados momentos, a emoção começa a pesar contra a própria música. O coro que impressiona em “Oh Mother” torna-se cansativo quando reaparece nas faixas finais. As letras insistem cada vez mais em imagens de rios, oceanos, liberdade e salvação, e algumas dessas metáforas ultrapassam a linha entre o comovente e o açucarado.
“Hold On”, por exemplo, começa com uma declaração sobre o amor chegando para salvar tudo, enquanto a faixa-título é tão exuberante que parece quase uma abertura de musical contemporâneo. Para alguns ouvintes, esse excesso de entusiasmo pode ser difícil de acompanhar. Mas talvez essa seja justamente a característica que Smith não pretende abandonar. A grande evolução de “Hazel Eyes” está menos em uma transformação completa da personalidade artística e mais na maneira como essa personalidade passa a habitar as músicas. Smith continua sendo intensamente romântico, dramático e emocional. A diferença é que agora essas características estão apoiadas por uma produção que lhes dá espaço para existir. Isso fica especialmente evidente no encerramento. “Love Is a Stillness” abandona a grandiosidade e reduz tudo a uma balada de piano. Sem coros monumentais ou grandes efeitos, Smith canta sobre a tranquilidade de finalmente encontrar uma relação estável.
A interpretação transmite uma serenidade que contrasta com a intensidade do restante do repertório. É provavelmente o momento em que a transformação de Smith fica mais evidente: depois de anos cantando sobre a busca pelo amor, finalmente existe a sensação de que essa busca terminou. Nesse sentido, “Unholy” pode ter sido uma bênção inesperada. O sucesso gigantesco da faixa aparentemente deu a Smith liberdade para abandonar, ainda que temporariamente, a obsessão pelo próximo grande sucesso. “Hazel Eyes” nasce justamente desse afastamento da fórmula. O álbum não é perfeito, e seu sentimentalismo pode ser tão excessivo quanto sua nova produção é refrescante. Ainda assim, Sam Smith finalmente parece menos preocupado em satisfazer uma máquina de hits e mais interessado em descobrir que tipo de artista quer ser. E, ao trocar a superfície impecável por algo mais humano, orgânico e imperfeito, encontra uma sonoridade que talvez sempre tenha estado muito mais próxima de sua verdadeira força.